Una forma con bordes irregulares que parece que se apodera de un enchufe, una vasija que nos hace pensar que accidentalmente cayó al borde de una mesa y secó con su forma o un florero que parece emerger debajo de un radiador.  

Objetos que dejan de mezclarse con el espacio para convertirse en parte de él. Lillian Tørlen traslada la idea de crear piezas pensando en la autonomía de las mismas y más bien, diseña objetos que como ella misma lo describe: pertenecen a un lugar específico. 

Hola Lillian. Primeramente cuéntanos más sobre ti.

Vivo y trabajo en Oslo, pero crecí en una isla en la costa oeste de Noruega. 
Hice mi Licenciatura en Arte y Diseño en Londres y trabajé como fabricante de utilería, entre otras cosas, antes de regresar a Noruega hice una Maestría en Arte Basado en Materiales y Medios en la Academia Nacional de Artes de Oslo.

Principalmente trabajo con piezas pensadas específicamente para una ubicación establecida y utilizo varios materiales dependiendo de lo que quiera expresar con mi idea. Me gusta cuestionar y señalar nuestra aceptación habitual de nuestro entorno y, a menudo, hago que las estructuras y los objetos se comporten de manera diferente a lo «normal» en mi trabajo, lo que sugiere una maleabilidad y tal vez una calidad autónoma en nuestros entornos artificiales.

¿Cómo comenzaste a interesarte por la cerámica y cómo esta conexión se transformó en tu expresión artística?

Desde que comencé mi educación artística siempre me ha encantado trabajar con arcilla. Aunque trabajo con muchos materiales diferentes según el proyecto, la arcilla es mi material de referencia del que necesito una dosis de vez en cuando. La sensación, su maleabilidad y versatilidad, la forma en que puedes ver algo emerger constantemente entre tus manos que anteriormente solo existía en tu cabeza. Es por eso que prefiero construir mis piezas a mano, en lugar de usar moldes: es meditativo de alguna manera.

Y me encanta la forma en que la arcilla a veces tiene su propia voluntad: moverse, agrietarse, encogerse y cambiar (especialmente en el horno), aunque esto es algo con lo que realmente lucho mucho. Como la mayoría de mis cerámicas, están hechas para adaptarse a superficies específicas, estoy tratando de controlar este movimiento, para que haga lo que quiero. No siempre estamos de acuerdo. 

¿Sigues algún ritual o filosofía para crear y conceptualizar tus proyectos?

Trabajo principalmente en sitios específicos, lo que implica que hago mis piezas inspiradas por y para el espacio específico donde van a ser ubicadas. Comienzo mi proceso investigando, experimentando y analizando la habitación / lugar / espacio, antes de entrar en una fase de idea donde exploro mis impresiones y pensamientos con respecto al lugar. Realizo muchas pruebas al desarrollar la idea, con respecto a la expresión, forma, materialidad y técnica. 

En el desarrollo de la idea, creo que lo más difícil es tomar decisiones: qué cortar y qué no hacer. A veces puedo enamorarme de un efecto, color, textura, elemento o idea, pero simplemente no tiene sentido para el trabajo final. Suelo ser estricta conmigo misma.

Tu trabajo se distingue por sus formas, curvas cambiantes y tonos pálidos. ¿Cuál es la combinación o proceso perfecto que sigues para hacer que todas las piezas funcionen juntas?

Las elecciones que hago con respecto a la forma y el color siempre se basan en la idea. A menudo me inspiro en la psicología y el comportamiento humano, por lo que quería que las piezas de cerámica tuvieran una cierta calidad antropomórfica. Una suavidad que de alguna manera se asemeja a la flexibilidad del cuerpo humano. Esa es también la razón por la que el acristalamiento es tan sutil, para obtener una impresión desnuda y honesta.

En mi último proyecto / serie de cerámica (ADO); que consiste en vajillas que se complementan con piezas de madera, realicé muchas pruebas mezclando arcilla, agregando manchas y otros elementos. Después de hornear pude estudiar los resultados y tomar una decisión con respecto al color y la textura.

La parte difícil está en el ajuste físico, ya que la arcilla se encoge cuando la secas y la horneas. En el caso de ADO, lo difícil fue encontrar las estructuras de soporte del tamaño perfecto. Cada pieza es única, y en muchos casos el grosor de la madera fue crucial: un milímetro de distancia y no encajaba.

En LOAAB necesitaba calcular el encogimiento de antemano para cada tipo de arcilla, para tratar de asegurarme de que al final encajarían en los lugares exactos para los que las había hecho.

Frente al espectador, ¿qué quieres expresar con tu trabajo? Hay una historia detrás de cada uno de ellos?

Sí, todas mis piezas tienen una historia que contar.
Por ejemplo, con respecto a los floreros de la colección “Levels of Attachment and Belonging” (LOAAB) es una historia de pertenencia y adaptación: ¿Cómo tomamos nuestro lugar? ¿Qué compromisos hacemos en el intento de encajar y pertenecer? ¿Cómo nos quedamos donde estamos o nos convertimos en parte de quienes somos?

Utilicé el jarrón y sus cualidades antropomórficas inherentes, con formas que a menudo se describen en términos de anatomía humana (pies, vientre, hombro, cuello y labio), para examinar este tema.

Los jarrones están deformados y muchos de ellos han perdido su uso como objeto funcional en el intento de ”pertenecer”. Mientras están en la galería, tienen una unión clara: apoyándose contra un enchufe, agachándose debajo del radiador, apretado entre la pared y una estantería, etc. Sin embargo, una galería es un espacio de transición (un lugar de descanso temporal), y en este proyecto también estaba interesada en explorar cómo estas piezas específicas del sitio pueden relacionarse con otros espacios después de la eliminación inevitable de la galería. A medida que se mueven, mantienen la forma del lugar donde alguna vez pertenecieron, y el título hace referencia a eso con nombres como «Debajo de la pared por el zócalo». Algunos de los floreros pueden encontrar fácilmente nuevos lugares donde pertenecer, en una esquina o en un borde en otro lugar, pero otros quedan como formas incómodas donde la falta del sitio donde alguna vez perteneció se hace evidente.

Cuéntanos acerca de uno de tus últimos proyectos “ANNOYINGLY DEPENDENT OBJECTS”. ¿Qué te inspira a crear esta serie específica de elementos?

Fui invitada a contribuir y ser parte de “Experimental Gastronomy” por Steinbeisser. Este es un concepto gastronómico en el que invitan a los artistas a crear cubiertos y vajillas que “celebra la experimentación y la búsqueda de nuevas formas de explorar los alimentos. Las cenas exhiben cocina contemporánea al más alto nivel, uniendo diseño, gastronomía y naturaleza «. (Citado de Steinbeisser)

Antes de esto, hice piezas que se relacionan con la arquitectura y el interior de un espacio, y vi esto como un desafío y una oportunidad para incorporar a las personas y la necesidad de funcionalidad en la ecuación. Después de muchas ideas diferentes, terminé pensando en cómo la vajilla es una estructura de apoyo de nuestra comida. Algo para servir la comida y comer. Estaba pensando en cómo confiamos en estos objetos y los damos por sentado y su aspecto funcional. Esto me llevó a considerar la idea de la codependencia, donde una parte necesita la otra parte, que a su vez necesita ser necesaria (aunque esto, por supuesto, es simplificar un tema complejo).

Decidí hacer vajilla que necesita estructuras de soporte. Para funcionar correctamente, deben ser apoyados por otros objetos. Estos otros objetos (en su mayoría pedazos de madera provenientes de varias pilas cortadas) no tienen un uso previsto en sí mismos, obtienen su significado de su uso como un «accesorio».

Como artista, ¿te consideras influenciada por algún movimiento artístico?

Realmente no…

Para cerrar la entrevista, nos gustaría preguntarte: ¿Puedes contarnos algo sobre sus proyectos actuales o futuros?

En el momento de escribir este artículo, tengo una exposición individual en la galería de la Asociación de Dibujo de Noruega, aunque actualmente está cerrada por el coronavirus. Tuve la apertura una semana antes de que Noruega cerrara en confinamiento preventivo. Es una instalación específica del sitio con un punto de partida temático y material en papel, llamado Fragile Construction of Context. En esta instalación, me preocupaba cómo los papeles (documentos) y los muros definen bordes y tienen una función de definición y delimitación. Donde el papel denota la regulación y el gobierno, los muros son divisiones concretas. Pero la sociedad y sus construcciones están en constante evolución y cambio: se alteran, rompen, perecen y aparecen nuevas estructuras. En esto hay potencial y posibilidades, aunque también puede provocar una sensación de angustia y pérdida de control.

En un reflejo de cómo la sociedad y sus construcciones evolucionan y cambian constantemente, esta instalación da la impresión de que las paredes están construidas con capas de papel, como un cuaderno de bocetos. Al contrastar la solidez de las paredes con la fragilidad y flexibilidad del papel, deseo resaltar la naturaleza cambiante y efímera de nuestro entorno. Algo que puede parecer inquietante, pero que también contiene potencial y posibilidades.

Después de tener un año y medio muy ocupado detrás de mí, no he planeado ningún proyecto grande, y estoy ansiosa por quedarme en mi estudio probando materiales, técnicas e ideas por un tiempo, y luego ver qué pasa después.

Fotografías gracias a Lillian Tørlen

¡Suscríbete y no te pierdas ninguna de nuestras publicaciones!